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古筝是人们提升自身气质的首选，古人是如何掌握古筝演奏的力度的"轻重缓急"，
汉魏时代，古筝艺术获得了巨大发展。古筝成为相和歌中重要的伴奏乐器之一。人们弹筝拍腿，口中哼着“呜呜歌”，成为人们喜闻乐见的形式。很多文学匠人也不惜笔墨，为筝留下了不少名篇佳章。魏晋时的阮瑀、傅玄等，都留有《筝赋》。这成为人们研究筝史、筝的构造、演奏技法等方面的重要参考依据。阮瑀《筝赋》中提到了古筝最初的一些演奏技法，所谓“大兴小附，重发轻随”的勾搭技法等等。这种简要的概括对现代弹筝人仍具有重要的启发意义。
这里要讲的是弹琴要讲究的力度大小问题以及由此而产生的强弱对比的表现。音乐的行进中，音乐的表现主要体现在轻重（力度变化）、缓急（速度拿捏）和音色对比等几个方面。这些因素是相辅相成的，比如在快速的弹奏下，关节运动幅度小，发力轻便，力度一般较轻，音色也较为轻快、利落等等。如若这些不讲究变化，甚至把任何一个因素孤立出去，音乐的表现也势必会出现各种各样的问题。
“弦与指合”、“指与音合”、“音与意合”这三个层面是每个弹琴人都期望达到的境界或者状态。其中，“弦与指合”指的是琴弦与运指上的相合。“夫弦有性，欲顺而忌逆，浅实而忌虚”，这句话的意思是说琴弦具有一定的特性，弹琴的时候就要顺应这个特性，而不能有所违逆，而运指弹弦则要做到坚实有力，而不能虚浮。弹琴人需要“养其指”，意思是需要训练手指的功夫，具体包括运指的安排、触弦、速度以及力度等方面；“练其音”，这里指的是手指在不同的力度、不同的弦段、不同的吃弦深度等条件下获得不同的音质、音色、音效。人们只有通过“养其指”、“练其音”，才能在以后的演奏中“恰其意”（正确地表达出乐曲的内涵，刻画出其中的意境）。
弹琴是需要指力的。力度决定着发音的质量。力度过大，声音太噪，声音的美感降低，也容易破掉；力度太小则声音发虚，轻飘飘的感觉，不扎实。事实上，对于古筝演奏的力度，除了保证一般意义上的力度之外，最重要的还要讲究变化。在这里，力度“不足则音亏，太过则音支离”。意思已经很明了了，力度不够就会导致声音的亏缺，音质不结实，声音不具有穿透力；而力度过大则会使声音太噪，甚者出现呆板、呆滞、硬邦邦的感觉，缺少圆润的感觉。所以这个力度要适中。没有一般层面上的力度作为基础，那么力度上的变化也将会受到影响。力度的变化有无决定着音乐张力的有无。力度变化对比明显，音乐层次感强，主次分明。没有明显力度变化的音乐往往呆板、声音，缺少生气。此外，力度的大小变化也决定着音色的变化。由此，对于弹弦力度的拿捏，我们不能仅仅弹奏出声音来就可以了。还要让它具有真正的美感，真正为音乐的表现服务。
那么，“重发轻随”指的是什么呢？简言之就是弹奏中轻重的变化。我们拿常用的八度勾搭技法举例分析。八度勾搭练习是古筝常用的指法组合，弹奏时用八度弦位固定好大指、中指弹弦的指型，也就是保持好八度的距离。托勾的组合要讲究用力的大小。一般而言，重勾对应轻托，重托对应轻勾，尽量避免使用同样的力度。从接触古筝的开始，就应该树立一种比较高的要求。自练习曲就应练习起手指对于力度的控制，从而为以后乐曲的处理、拿捏打下基础。当然，大指中指两指还是要保持一定的力度的，比如，我们有了强，才会找到弱，如果弹奏的力度一开始就很弱，那么我们就不容易把握好次弱了。只有在一定的力度基础上，才能对比明显。而且，力度关乎着音乐层次的拿捏。
力度牵扯到“力”的问题，这里就存在着两个关键问题。其一，力从哪里来，或者说怎样获得“力”。其二，怎样正确“用力”。首先我们来看第一个问题。力的获得离不开肌肉的伸缩，而肌肉的伸缩要靠神经系统的统筹和指令。也就是说，在神经系统的作用下，人体肌肉收到信号而发力。或者力气是通过人的手臂等部位的自然重量生成和传输。那么，怎样用力呢？我们弹古筝，不能用蛮力，要在意手指间的协调和对力度的瞬间的释放。而应该考虑音乐的风格、音乐的意境。也不能因为担心弦会断而不敢用力。力气需要自然无阻地进行传输，由此，手臂的各个部位不能僵持，或者过于拘谨。弹奏是将休息转变为能量。弹琴时应该保持的常态是待命，要随时准备行动。弹琴者通过手指关节的活动将能量传到琴弦上。在弹弦的前后，手指的关节都有一个处于休息和恢复的时间。能量是从静止状态开始启动的，弹琴要提前做好弹琴的准备。
弹奏古筝怎样“养其指”、“练其音”呢？
对于力度的掌控，需要不断揣摩，需要实践，以掌握火候。不能过于强调力度，也不能仅仅限于弹出声音来就可以。我们经常见到有些人唯恐自己弹奏的发音太轻，而过于强调力度，由此导致大胳膊高抬，借助胳膊挥动的力气带出发音，大指与中指的力量都一致了，貌似也音量大了些，但是却没有照顾到音质、音色这两个层面。要知道声音的结实与不结实，不全在于用力的大小，还在于触弦的具体方法、角度，触弦的深浅等等因素。或许，力气用的大，音量得到了很大的改观，但是声音照样是不美的，音质照样是不好的。
力需要气的支撑，这就需要我们做好呼吸的工作了。恰到好处的呼吸可以有助于力度的拿捏，而没有“气”的支撑，力也显得比较单薄和无助，更不用提音乐具有多大的张力，多么能打动人心了。
对练习曲要高要求对待。弹奏古筝应该注重最初不同节拍练习曲的练习。从节拍这一层来看，4/4拍的强弱规律是强弱次强弱，3/4拍子是强弱弱，2/4拍的是强弱。这是我们从一开始就要注重的。练习中一定要做到的。
对于作品，则要看其风格、意蕴等方面。一部音乐作品必定有其轻重缓急处理的章法。我们的演奏要重视乐曲的风格，重视乐曲中的一些微妙的提示，如表情术语或者力度记号等，还要重视乐曲的意境旨归。这些通过我们神经系统分析、识别和记忆，指挥着我们的身体各个部位作出相应的动作，而不能乱弹一气。“若手指任其浮躁，则繁响必杂，上下往来音节具不成其美矣。”演奏中，轻重缓急以及音色布局必定要遵循一定的章法，而不能肆意游离，漫无章法。有轻就有重，有缓就有急，有明亮就有柔曼，这些虽然是对比的范畴，是一对对的矛盾，但是却又能统一在一个具体的作品中。
有些弹奏者往往会孤立地看问题，只知其一不知其二。比如能明白指法符号代表的意思，明白单个指法弹奏的过程，但是多个基本指法一经组合就不知道该怎样运指了。或者，生搬硬套，只知道力度均等地将音符一一弹出，毫不注意音乐要讲究的层次感等等。比如还是《四合如意》，力度上的呆板很容易变成“爬楼梯”的机械运动，音乐本身的魅力荡然无存了。
运用小撮和大撮寻找练习力度的感觉
西安音乐学院 硕士 许兰希
简单地说，力度就是指“用力的程度”。我们常说的强弱，就是指力度。
在讲力度的表现作用之前，首先，我们很有必要澄清两个不同的概念：力度并不是音量！虽然在很多时候力度大会造成音量增大，但音量的增大并不指依靠力度的增加，音量的增大主要是靠共振，如我们将音箱的音量旋钮调动，就会引起音量的变化，这时如果测量音箱的纸盆的共振，就会发现随着音量的增大，纸盆的共振面积也在不断增大；反之亦然。
我们再来做个实验，将调音用的音叉敲击一下，它会发出一个音，但音量并不大，这时你将音叉的底部紧贴在桌子上，就会发现它的音量增大了，而你并没有改变敲击的力度！
力度是由振幅决定的，不同的振幅决定力度的大小，即音的强弱。但要注意，强与弱必须要有两个以上的音产生对比才能知道它们之间的强弱关系。单个的音是无所谓强、无所谓弱的。
在音乐中，力度是音乐表现的重要手段。力度在音乐中体现在以下几个方面：
一、节拍中的力度
即每一种节拍中的基本强弱规律，我们在演奏、演唱时一定要遵循节拍中的强弱规律，而不能随意改动。试想如果将二拍子的乐曲唱成三拍子的强弱规律，那就会引起混乱。请参照相关章节。
二、节奏中的力度
即在每一拍（或每两拍、三拍）中的节奏类型所产生的不同的强弱规律。如一拍两音、一拍三音、附点节奏、切分节奏、三连音……等等。
三、旋律中隐含的力度
一般来说，音调向上（上行）会产生激昂、高涨的情绪，随之带来力度的渐强变化；音调向下（下行）会产生低沉、消极的情绪，随之带来力度的渐弱的变化。我们要了解这种旋律进行中的特点，并在音乐的演奏、演唱中遵循这种规律，才能够有良好的乐感表现。
旋律中的乐句也隐含着力度的变化，一般来说，乐句常用的力度变化的形式是先渐强——然后渐弱，形成橄榄形。但也有先强后弱的、先弱后强的、先渐弱——然后渐强的……这种变化一般都和乐句的节奏、节拍结构相一致的。所以在演奏、演唱之前要仔细分析乐谱中的结构，找出其中隐含的力度规律。
四、歌词中隐含的力度
这仅限于歌曲之中，就如同人们说话时有重点词语一样，歌词中也有需要强调的重点词，它一般为实词（名词、动词、形容词等），要着意强调出来，在演唱中就要加重语气。而虚词（助词、语气词等）在句子中处于次要地位，就不要用过大的力度，而要有意地弱化处理。
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